梵高是這個世界上最好的畫家。當然也是最流行，最偉大，最受敬愛的畫家。他對色彩的運用是最讓人驚嘆的。他把飽受折磨的人生痛苦轉化成醉人的美麗。痛苦很容易刻畫，但是用痛苦和苦難去刻畫我們世界上的欣喜，快樂和美麗，前無古人，也許后無來者。在我腦海里，那奇怪的狂野的，在普羅斯旺田里漫游的男人，不僅僅是世界上最偉大的畫家，也是世界上存在過最偉大的人。”這是館長對梵高的評價
?以前在畫冊或屏幕上看梵高的畫
真的不容易體會出它的好來
而站在原畫面前
用眼用心體會畫布上百年前定型的顏料
凹凸的筆觸、畫面的紋理、油彩的質感
讓人不由自主地推敲他繪畫的過程
那種一觸即發的情緒
撲面而來
其實構圖，筆法，用色這些基本要素
對于藝術大師而言
都屬于次要的東西
而透過畫作傳達出的精神世界
才是藝術偉大價值的核心所在
梵高的畫正是如此
畫里可以強烈感受到傳達的情緒思想
他內心的熱情、彷徨和掙扎
他對事物的看法
以及他獨樹一幟的世界觀
可以感到他耗盡生命所有熱情去體會生活
然后用藝術的方式呈現出來
這就是梵高的畫那么好的原因了。
觀賞一件作品，自然會睹物思人。看梵高的畫，一定會聯想起卓爾不群的畫家本人。從梵高的畫來看，大家覺得它好，可能好在這幾點吧：
第一，有極強的生命力（例如向日葵）。畫作中透出苦難、不屈、掙扎與吶喊。畫作似乎都能浸出鮮血，仿佛畫家將自己的血肉和靈魂都封印在作品里。
第二，寫實與虛幻相混合。看梵高的畫，一看就是“畫”，既不似照片翻版，也不似晦澀難懂、極其抽象。很真實，但又透出明顯的不現實。既與觀賞者拉近了距離，又使觀賞者覺得新奇。
第三，色彩運用得酣暢淋漓。感覺梵高作畫，毫不吝嗇油彩的堆砌，同時又將這些油彩恣意揮灑，布成一個又一個色彩絢爛的局。通過這樣的色彩布局，體現作者不刻意追求活靈活現、栩栩如生的意境，而是反映出凝重的、沒有大喜大悲的那種凄美。
謝邀。
本文完全原創，手機碼字分兩次、碼了好久，又在網上找了幾張圖片加進來，所以很長。如能賞目看完，便知我并沒有答非所問。如果覺得對您有幫助，不吝點個贊關注一下，以后可能會有其他拙作奉獻。
我并非專門從事藝術工作，相信大多數人也一樣，有時總有些這樣的感覺，有一些所謂的藝術——特別是一些現代藝術——讓人莫名其妙，摸不著頭腦，讓我們覺得自己似乎什么都不懂，似乎自己從來就沒有審美的能力，似乎那些讓人感到不安、甚至令人感到反感的東西才是主流，而自己“落伍”了。從小到大，看了很多書，談不上博古通今，但自認為還有些判斷能力，當然也不允許自己“落伍”。
所幸在本科時聆聽過帥松林教授的一門課程：《審美的歷程》，結合多年的經歷和觀察，明白一些端倪。我且一說，您且一聽。
首先，第一原則，脫離人類實體感受，脫離社會現實，脫離社會發展狀態去討論審美和藝術價值都是耍流氓！審美的標準是在不斷的發展的，而在不同生產力發展階段，社會中主流的審美是在變化的。而且，新的審美的發展通常在原有社會勢力薄弱的地區。
原始社會的壁畫（動物壁畫，很寫實），其實是自然崇拜的結果，并不是為了“藝術”，最后發展為為對人類身體的摧殘，對生命力的摧殘（找一些現代非洲原始部落的照片一看就便知）；
奴隸社會轉為對人體的崇拜（古希臘裸體雕塑）、猛獸力量的崇拜（青銅器），是當時的主流的審美，代表了人類對自然的認識和旺盛的生命力，但后來轉為血腥、殘暴、色情，如古希臘斗獸場、大型的城市沐浴系統等，在奴隸制不發達的東方，爭霸之風盛行，武力和殘暴稱為主流。但是就在黃河流域，由于奴隸制其實并不發達，長生了新的藝術觀念的土壤。
封建社會對“德行”的推崇在反對強力的過程中慢慢成型，從春秋起始，經兩漢發揚，于魏晉得大成，所有藝術圍繞這個主題展開，水墨線描橫空出世，吳帶當風成為主流。儒、道、佛三家皆尚德性，僅僅為出發點不同而已。而西方在殘暴血腥的古羅馬時期，基督教誕生了，原罪的提出，修行贖罪也是追求德行而非物質，一系列的藝術也是圍繞此而產生。
崇尚德行，摒棄物欲的風尚又何時開始變質？又轉化為何？
當然就是封建禁欲主義。從宋代開始，三從四德成為“德行”，裹足殘軀成為“審美”，又一次摧殘人的身軀——女人——成為社會普遍現象！棄物欲畸變成為禁欲，德行演變成愚忠，皆成為統治階級愚民之工具。西方亦然，教會成為禁欲的“惡”勢力，與之對應的藝術品也毫無生氣。
裹足小腳圖片不忍放上，自行百度，慎重慎重！
如何反抗？審美如何發展？在哪里突破？
當然是在封建制度相對薄弱的西方。中國的資本主義萌芽出現就在宋代！但是，市民團體并為形成黨派，沒有走上政治舞臺，而后又在強大的封建階級勢力的壓制下沒能發展起來。要知道，清朝鼎盛時生產總值超過全球其他所有國家之和。
在封建制度相對較弱的西方，宗教改革，文藝復興，從反對禁欲開始！如何反對禁欲？當然，對女性裸體的描述必然是最佳武器！此階段大量的裸體繪畫、雕塑等藝術品出現，甚至神都被畫成裸體，這在之前是難以想象的。（當然，這個時期發現大量古希臘的裸體雕塑，所以藝術家們打著復興文藝的旗幟，反抗教廷）在此時，這些藝術當然代表時代最有價值的審美，獲得非統治階級的認同，逐漸成為主流。
反對禁欲，解放天性，成為新興資產階級的最強烈訴求，最終凝結成對“自由”這個主題的追求！所謂自由，平等，博愛，在這個階段，即反抗封建統治階級的時候，是最有效、最強力的武器！所有的藝術品，以寫實為主要手法，最重要的藝術類型之一——油畫，就是此時出現的。寫實，反應現實，反抗現實，表現自由這個主題，是這個時代審美的最強音！
而當資產階級革命取得成功的時候，又發生了什么呢？藝術又要走向何方呢？
歷史的車輪滾滾而來，歷史的規律無情又諷刺。
當資產階級成為社會的最強力階級，即統治階級時，他們有如何對待他們曾經最有力的武器——現實主義——的呢？又是用什么樣的“新”藝術來確保自己的利益、引導人們的觀念的呢？
哈，當然就是讓人們放棄對現實描述的印象派了！讓藝術走出它的社會性而成為“純粹的”藝術！讓人們放棄對現實的描述轉而對“純粹的精神”進行歌頌！越是看不懂越是能加以解釋、賦予“新而深刻”的含義，越能體現它的“藝術性”！……
當印象派繼續發展，經過幾個“大師”的改進和創新，終于人類歷史上“最先進”的、“最貴”的藝術——“現代藝術”誕生啦！畢加索其實自己又何嘗不無可奈何？為何有人拼命的給我錢讓我畫我也看不懂的東西？這些東西真的美么？印象派畫作好像還能辨別畫的是什么，好像還能從顏料、調色、構圖等體現出來“技藝高超”“立意深遠”，而現代藝術連是什么都看不出來了！宣稱要脫離物象，宣稱要追求純粹的思想！真的有那么好么？藝術脫離了生活還有它的價值么？但是，這種東西成了主流！為什么呢？畢加索的油畫水準非常之高，他為何舍珠留櫝？主流到底是誰的主流？
（在本文的最后附再附錄幾張畢加索的“作品”，實在不忍心放在這里！梵高的隨意選幾幅放在下面了，和畢加索作品的關系，應該是一脈相承的前輩了。當然覺得好看的，看到不同東西的人當我沒說！）
“藝術與意識形態無關”——從來就是一句謊言！
“藝術不應該成為統治階級的工具”——也從來就沒有實現過！
在早期的社會主義的蘇聯（為數不多的在上個世紀能和西方主流藝術做對比的例子）現實主義從來沒有被印象派替代過，反映現實生活，反應人類生命和活力的藝術才是主流！
當然在被顛覆之前的階段，官僚腐敗問題趨于嚴重，貧富差距逐步擴大，資本主義的藝術開始被有意的滲透進來。“所有他們贊同的我們都要反對，所有他們反對的我們都要提倡”“讓他們的年輕人去縱欲，讓他們失掉羞恥心，讓他們變得懶惰和妄為，讓他們認為追求絕對自由勝過熱愛生活”……（這些話有興趣自己查查）
接下來當然是中國。各種殺馬特成了自由，各種丑書成了藝術，外來品被極度推崇，傳統被肆意摒棄，殘害人耳的重金屬噪音被標上自由自我自在的標簽，隨意裸露自己放縱性欲成了自由平等進步的代言！
并不是中國人的審美水平很低，而是被別有用心的人帶到了彎路上而不自知。當你反應出你并不覺得這種藝術有何價值時，你會被立即冠以沒有審美能力、藝術素養低下的標簽。全社會陷入一種皇帝的新裝式的自我欺騙。
印象派和現代藝術真的是好的藝術么？當自由平等博愛的主旋律變成幻想、妄為、血腥、色情、殘暴，當現實主義變成了不能反映現實，純粹妄想的現代主義，只能說，歷史的規律再一次開始發揮威力了！每一次反映人類旺盛生命力的藝術成為審美的主流，人類社會就進入了新的紀元。每一次在由符合社會時代的藝術轉向血腥殘暴色情妄為時，就會在當時制度最薄弱的環節產生新的變革，引領新的人類進程！奴隸社會對“強力”的追求最初代表當時最好的審美，是人類征服自然后的表現。但最后“強力”在古羅馬轉為“暴力”。此時儒家、耶穌教、佛教的“德行”的出現，成為新的引領。“德行”轉而為“禁欲”，作為反抗的裸體油畫開始出現，最后現實主義反映的“自由平等”成為主流。當現實主義遭到打壓和封殺，印象派和現代藝術如期出現，“自由”向著“妄為”發展，說明它已到了末路。
真正的藝術是什么？誰也說不準確。但是審美有基本的標準，它是人的內在理解和在外事物的綜合，反映旺盛生命力的作品才是好的作品。類似于《三體》中“文明的第一追求是生存”有一點點類似。
至于梵高，求仁可得仁，自己體會吧，建議和達芬奇作品做個對比（隨便一說，也可把給出的兩個麥田做個對比），省略一萬字。他為啥沒有畢加索富有，因為當時“主流社會”還沒有發現他的作品的“價值”哦！
說明一下，我也沒有想到寫了這么多！時間有限，有好多考慮不周，太偏激的地方，以后我會自己再整理整理。提出來給大家參考參考。正所謂拋磚引玉是也！
不怕辣眼睛的，看看畢加索吧：（可以自己挑一挑，哪個更有藝術價值，哪個更貴哦~）
既然看到這里了，說明您的承受能力很強。
附一張：小腳——曾經的“貴”和“美”
“梵高畫到底好在哪”?
這是一個有趣的質疑大師梵高先生成就的聲音，我十分佩服您的學術態度。
我的回答是：梵高先生好就好在他有著十分悲催的故事背景，而這個充滿文學氣息生活境遇，讓許多人為之動容；加上他契而不舍的執著精神，近似于偏執的人格，以及自以為是的藝術實踐，使他的藝術遠遠脫離了當時時代的主流審美形態。
梵高先生的人生是個“失敗者”，是個倒霉蛋，他從事多種工作都是半途而廢結局。年少時曾在畫店里打工，甚至還臨摹過名人的畫作；他有很強的語言天賦，通曉三國語言，為此他做過老師，可是教師也沒有成為他的終身職業；在他父親推薦下他成為了一個礦區的牧師，可是他依然沒有遵守神職人員應有本份，又下崗失業了；于是自學成才當畫家就成為了終其一生的職業追求了。
由于固執的性格，他缺乏自我情緒管理能力，無序的生活狀態加重了他焦躁不安情緒，以及精神疾患；這些問題造就他的藝術獨特性，其作品的面貌是梵高身體狀況的晴雨表或顯示器。他沒有受過繪畫專業的訓練，其作品的原始粗放性的特征一覽無余。用色大膽強烈，用筆排列有序短小精悍。他既喜歡強烈陽光的黃色，又喜歡沉著的藍色，這也迎合著梵高先生“躁郁癥患者”特質。
因為他的作品有著極強的情緒化傾向，這種表現主義繪畫的審美風格，在當時是不會受歡迎的。誰愿意花錢買一幅讓您心堵的作品掛在家里呢？所以他不屬于他那個時代，他的作品是自身生活狀態的自然流露，也不是什么超越時代的佳作，是時代發展、社會的寬容、審美趣味的多元化、讓他的作品走進了我們視線中。由于他創作的作品被資本市場不斷刷新紀錄，一時成為現象級的“大師”（如果梵高得知自己被別人封為大師，他一定會對你發火），于是人們會談論畫家“生前很悲催，死后美名揚”這個充滿悖論的話題。
《梵高：畫語人生》
文森特·威廉·梵高，這位用明亮鮮活的色彩吸引了全世界目光的天才畫家，卻在美麗的法國瓦茲河畔結束了自己37歲的年輕生命。他傳奇不朽的一生已多次被搬上電影銀幕。
《梵高：畫語人生》是一部由艾倫·延托布執導的戲劇式紀錄電影，將重現梵高絢爛而短暫的一生。
卷福本尼迪克特·康伯巴奇飾演梵高這位天賦異稟且卓爾不群的瘋狂大師，劇中的一言一語皆來自于梵高寫給弟弟提奧及親人的信件。
本片以其獨特的敘事方式和入木三分的描摹再現，贏得了2011年在班夫世界媒體節上的最佳藝術紀錄片洛基大獎。
《溫柔的魔鬼——梵高》
梵高是一個性格強烈扭曲的畫家，但始終也沒有放棄追求希望與光明。
金燦燦的麥田不止一次出現在他的作品中，伴隨著灰暗的色調、扭曲的線條、美麗的花朵，昭示著畫布之外的作者像一個善良的魔鬼一樣正在溫柔地遠觀整個世界。
在梵高最后一幅作品《麥田里的烏鴉》中，金色的麥田和蔚藍的天空占據著大幅畫面，但是烏云和烏鴉已經漸漸來臨，這些意象都能看出梵高內心深處的矛盾、焦慮、掙扎和悲傷。
為了保住心中的夢想和美好，他終結了魔鬼，連同他自己年輕的生命。
《梵高：天賦之筆》
紀錄片《梵高：天賦之筆》通過梵高的書信，重溫了他的人生旅程。
影片追溯藝術家的腳步，通過畫家的題材和靈感的源泉帶領我們身臨荷蘭的阿爾勒和瓦茲河畔，重新發掘一些在藝術史上最重要的作品的場所和景觀。
本片畫質極佳，配樂絕贊，近距離展示梵高駭世之作，還原畫作場景，帶給你震撼之美；采用假設的梵高旁白，描述他不平凡的一生，以及世人對梵高作品的理解。
從麥田耀眼的黃色到深藍色的天空，我們發現了一個著名的畫家用心中的調色板炸裂世人眼球的奇跡。
《梵·高》
《梵·高》是阿倫·雷乃于1948年拍攝的17分鐘紀錄短片，片中以梵高的繪畫作品作為影像素材講述了梵高的生平并評述了他的繪畫藝術。
法國南部普羅旺斯地區一望無際的麥田，古樸清幽的農舍，梵高及其朋友和鄰居們的形象依次出現在銀幕上。
這些形象不是攝自現實的生活場景，而是取自畫家的繪畫作品，零碎的形象在攝影機的關照之下漸漸復活起來。
本片的表現手法，正如雷乃在片頭字幕上所說：
通過繪畫作品展示這位偉大現代畫家的生命傳奇與精神歷險。
《梵高全傳》
鮮活的向日葵，嫵媚的鳶尾花，絢爛的星空，梵高的靜物風景給人以積極向上的美感。
但是人物畫給人的第一印象卻絕對不是美，甚至可以說是一種類似扭曲的幻象，就像梵高本人那樣，有一種融合了悲天憫人善良本質的自虐式殘忍。
該紀錄片較為詳盡地講述了梵高的一生，拜訪了幾乎所有現存的舊址。
從早期的信仰上帝，全身心投入傳道，試圖拯救他人；到經歷感情挫折后極為敏感和善變，輕易地沉迷又決絕地逃離；再到生命的最后日子里飽受孤獨感的折磨，最終走向天堂的入口。
我們可以說，梵高的故事，并非介于天才和瘋子中間，其實他本人就是一個偏執的瘋子。
“別人笑我太瘋癲，我笑他人看不穿”，或許梵高在世時的內心寫照會是這么一句話。
他活在自己的世界里，未曾苛求過別人的理解；他手中的畫筆，描摹的都是外部現實世界和內心理想世界在碰撞中產生的劇烈心靈感應。
扭曲也好，癲狂也罷，我們在乎的，從來就不是一個正派體面人對麥田和星空的理解。
恰恰相反，我們想要做的，是走進一個天才瘋子的內心，一窺他靈魂里的藝術才華。
梵高的畫好在哪？！生前好在神經質夠瘋顛！生后好在有人解讀有人炒作有人接盤有人傳播有人跟隨。
對于藝術圈里的人來說，梵高好在夠藝術夠技術還夠美術！對藝術圈外的人來說，梵高好在夠知名夠值錢夠能裝！
懂不懂得欣賞并不重要，能做到人云亦云記住一兩個關鍵詞還是不難做到的。印象派這種東西，最好是搞點毒蘑菇吃吃，在幻覺與煩躁的煎熬里體會梅毒與情欲交織糾纏的粘黏快感，色彩呀！情感呀！痛并快呀！反正就是不瘋魔部成活！
梵高，好在活得不容易，好在死的不拖沓！
1,畫面表現力。
2,對美術史的貢獻。
3,時代需要他。
4,有故事。
5,想象力
5,懂的可以領悟到很多東西
色彩與筆觸
色彩很大膽啊，有自己的風格，濃郁又很好看。當時學畫畫時候老師就對我們說，想學色彩的就臨摹梵高的畫。
他筆的走法，筆觸感很強。
他的畫一點也不寫實，卻很好看，好厲害呀！
人生寫意
我神志清醒――我就是圣靈！梵高的遺言清晰的告訴我們一個殉道者不朽的吶喊。
怎樣欣賞梵高以及怎樣看待梵高似乎是一個很尷尬的問題，因為在信息化高度發達和交流迅達的今天還要打個問號那實屬整個時代的悲哀！懂得欣賞蒙娜麗莎和懂得欣賞梵高是一個層面的問題，很多人要說我是外行看不懂，那更是一葉障目的自欺欺人，因為按道理說一個“外行”，、一個“大眾”應該更多的看得懂梵高而非蒙娜麗莎，梵高代表的正是“大眾”，真正的和“下里巴人”站在一起的偉大藝術家！
倫勃朗
梵高最初的藝術追尋道路上的老師之一倫勃朗，對人性的深層的關懷與表達注定成為了梵高在此路上樂此不彼，夸父追日般的目標與方向。
米勒―播種
梵高播種者
深深影響梵高的畫家米勒是一個真正意義上的農民畫家，質樸、純真、執著成為梵高藝術道路上終極價值取向。
從阿姆斯特丹到巴黎是梵高藝術生命最重要的轉折，這里正在發生的一場光與色的革命，印象派的對自然，對生活的表達徹底將繪畫從幽閉的圣堂上解放出來！
在這里梵高遭遇到了初戀的打擊，遭遇到了藝術和現實最格格不入的困頓與憤怒，也遇到了他最堅定的支持與欣賞者，他的弟弟―親愛的提奧，梵高死后的幾個月后提奧也離去了，他們葬在一起，他們最后終將在一起！
和梵高唯一在一起生活過的女人
一個妓女，一個行將老去的女人，干癟的乳房，干枯的頭發，曲抱的姿勢訴說著生命的無奈和惆悵；沒有憐憫，沒有同情，更沒有揶揄，在藝術面前如同在神面前一樣！我們都是迷途羔羊！
吃馬鈴薯的人
梵高的思想本質是極其虔誠的，父親是牧師，梵高也在礦山做過傳教士，住在礦工家，體驗和描述著真正的蒼生苦難與不幸，他把最值錢的甚至于衣物都贈予給了他們，不是施舍！是悲天憫人的贈予！
阿爾的星空與太陽是最終點燃梵高的火種，徹底燃燒的激情融化了來自東方的點線面，來自歐洲大陸的色彩表現與嘶吼，來自靈里神的圣光！太陽燒光了他的頭發，激情導致他癲癇般的抽搐，他徹底瘋狂了，他成就了不朽，他毀滅了自己！
把耳朵贈予給了他喜歡的妓女
一個為時代理解不了的人民藝術家，一個夸父追日般的殉道者，短短幾年的藝術生命成就了藝術史最燦爛的星空！
梵高最后一張畫
在一百多年后的今天我們每一個平平眾生，無須煽情，無須帶著世俗價值，放空自己，閉上眼睛，猛然睜開眼睛！“搶”入你視線的必是這以生命殉道為價的偉大作品！